今天鞋百科给各位分享为什么国画不注重人的知识，其中也会对中国山水画为何不叫风景画(中国山水画为什么不叫风景画)进行解释，如果能碰巧解决你现在面临的问题，别忘了关注本站，现在我们开始吧！

中国山水画为何不叫风景画

因为西方风景画的历史要远远晚于中国山水画，并且中西方的画的画法及情感表达都不同。

（1）对于自然的观看方式迥然不同。

西方风景画家始终在**于自然之外的立场来观看自然、认识世界，他们是在一个固定视点下对于自然景物进行片段截取，看到的是体积、明暗、光影、**、色彩等的视觉真实。

中国山水画则绝非对某一固定视点下视觉映像的直接描摹，而是自然本身形质样貌的自在呈现，无论是画家还是观赏者的目光，都是与这一呈现过程中一个个生动的自然细节的不期然相遇。

（2）情感表达迥然不同。

西方文明的认知与思想的底层逻辑是关注自我、认识自我，从而形成“人是宇宙的中心”“人是万物的尺度”等人类自恋式的精神传统。西方的山水画是自然与人的关系是彼此割裂、对峙的，其所维系的情感，就或是深重的恐怖感或是强烈的征服欲。

中国山水画就这样表征着人与自然的关系，人与山水草木一样，其自身已经融入自然的生息之中，自然也便是人的生命的一种外延。因此，中国山水画构筑出人与自然浑然融合的和谐画面，人在山水中，情在自然间。

扩展资料：

中国的山水画似乎在画山、画水，但实际上又不仅仅是画山画水，它是建立在中国的文化哲思上，它强调的是“外师造化、中得心源”，前者是载体，后者是核心。

中国人是通过山水画将山水作为天地化身，来表达画家对天地玄黄的感受。所以，自古以来“仁者乐山，智者乐水”。

中国画除了要求艺术家行**路，更要读万卷书——**路是强调造化，万卷书是强调精神，所以中国山水画家虽经常游山行水，但更重要的是“读万卷书”，借此升华其精神。

参考资料：人民网-山水画：中国人自然情愫的图像表达

为什么中国古代人物画都不像真人

和传统武术不能实战是一个妈生的，说好听点这叫意境，说不好听点是水平太次。

学习国画的人是不是越来越少了？为什么？

现如今，学习国画的人确实是越来越少了，这其中的原因不仅仅只是因为国画的难，同时还和国内美术专业招生体系有关。谈起美术艺术，很多人自然会想到西方的油画、水彩等，少有人会注意到我国的国画。殊不知，油画艺术只有仅仅的600多年，而股国画的历史可以追溯到2000多年以前的战国时期。国画作为我国优秀的传统文化艺术之一，然而却随着时代的更迭渐渐地被人们所遗忘。

原因一，国内美术专业招生体系自从我们的前辈将西方各种美术艺术引进中国后，素描就逐渐演变成中国美术的基本课程。因为这一项规定，使得很多国画专业的学生同样也需要学习素描。我们再看一看我国的美术专业招生，每年高考所考的项目基本都是素描、速写以及色彩这三样。仔细想想，在这样的体系之下，又有多少会去学习国画，国画文化又怎么能够得到普及。

原因二，学习国画的难度较大对于国画，它不仅仅拥有着一个悠久的历史，同时它所涵盖的方面十分广，是一个庞大的文化体系。很多人学习国画，虽然能够画出国画的“形”，但是却很难画出国画的“意”。国画的精髓在于画中的意境，很多时候国画向人们展现的不仅仅是一个美丽的画面，而是自然哲学。艺术终究是艺术，不是一般的人能够体会和展现出的。

当然，也不是说国画普及率越来越低这种状况是不可逆转的，只要采取一些行动就可以很好地改善。首先国家要重视普及国画文化这件事情，可以在学校开设有关国画的课程；其次国家也可以适当的修改一下美术专业招生体系，这能够很好地提高国画的地位。就我们个人而言，也可以有时间了解一下国画，感受这其中的美。

什么叫历史？

国画画一个人，无任何参考完全我自己想出来的，结果别人都说好像某个现实中的真人，是这好是坏啊？

、、、像没什么不好的，说明你能从心中之物转化为笔墨之物，意境跟写实并不冲突，不是追求所谓的意境就得挥毫泼墨，弄得大部分人看不懂。、、、、没有啥好不好，干嘛听别人忽悠，画画本身就是主观性很强的东西，很多大家在生活的时代并不被认可，后来才出的名，技术到位之后，以后就是自己的意识，自己的风格

现在女人，为什么要把眼圈画的那么黑？我怎么感觉不好看呢

因为工作太忙，而形成的黑眼圈，如果化淡妆的话很容易露出马脚，所以就只好化黑眼圈

为什么中国古代人物画总是看着不那么写实

第一，我们得承认，某种绘画形式是否写实，源于我们现代人自己对“写实”概念的理解。
我们这代人是从了解西画的写实概念中理解“写实”的，而绘画科学的应用是西画式写实概念的基础，比如光影、结构、**、解剖、对比等。这些科学概念被引入艺术，是在社会基础科学得到长足进步后的结果。
我们只要对比中国与西方基础科学的发展状况，不难发现艺术观察科学中对解剖学有较高要求，而这主要来自医学的发展。西医与中医的区别我们现在都比较清楚，最主要的就是针对人体医学解剖的认识。用形而上理念看待，对人体解剖的理解被应用在艺术里，显然推动了艺用解剖学的发展，因此西方的绘画与雕塑逐渐走向“科学化”的写实。但中国的医学发展较少涉及解剖，对人体内部病理的诊断也主要来自对人体外部的观察而得出的推理，所以解剖学并没有在中国得到较大发展，这也会产生对艺用观察方面的限制，艺术领域对人体结构的理解主要依靠外部观察后推论出的结果来确定绘画时采用何种表达方式——意象式的线条。
“三停五眼”等人物画结构基本规律，就是老**们在当时的科学认识上总结出的艺术法则，其实非常管用。
艺用**学也是西方文艺复兴时期的产物。早期西方绘画中的**也很初级。
第二，线条作为艺术表现方式，这基本就是由绘画材料决定。
中国特色的绘画工具主要以毛笔为主，特别是带有“锋”的毛笔。羊毫较软且蓄水量较多容易造成洇水，在宣纸上不宜长时间停留，狼毫较硬，但水分比羊毫更容易流失，所以使用中国的毛笔必须了解笔毫的特性，掌握毛笔中水分的多少，并合理控制下笔的速度和时间。至于画纸，我们现在看到一些保存很好的中国早期绘画作品，多还是绘画在绢、帛等织品上。织品和宣纸的吸水程度，也决定了绘画可以采用的绘制手段。中国传统绘画颜料是以水来调和。这都造成中国传统绘画不适宜产生色彩的笔触造型，而更适合用晕染、叠加等方式产生画面色彩的变化。工笔画是这种绘画方式的“极端”发展，可以绘制出非常精细的造型和色彩效果。
结合前面所说对人体结构的了解，中国画用线条造型、晕染敷色，且采用初级艺用**，其实是这种艺术形式发展的必然结果。